Al reunir la sensibilidad de dos artistas extraordinarios, Peter ...

Portraits in Life and Death es el único libro de fotografías que ...

Una obra meditativa, fotografiada en un cautivador parque local en ...

Cuando las tropas lideradas por los soviéticos invadieron ...

La tercera entrega de la serie de Mike Slack se adentra en la ciudad ...

The Centurion toma su nombre de la denominación de la célebre tarjeta ...

Una colección de cintas de casete, descubierta en una tienda de ...

La exdefensora pública Sara Bennett ha dedicado los últimos trece ...

Para su nuevo libro, Tavakolian ha explorado sus archivos, no para ...

Una noche, mientras observaba desde un segundo plano el espectáculo ...

Hace veinticinco años, la fotógrafa Viviane Sassen y la artista ...

Anne-Marie, de Jeremiah Dine, es un documento visual de la relación ...

Este libro reúne una década (y algo más) de la práctica de Peter ...

Cruising Diaries es, a la vez, una celebración y una provocación: un ...

Dead Letter Room es una correspondencia transhistórica con el ...

Un gato deambula, se posa y descansa en diversos rincones de un ...

Afghanistanism es un proyecto fotográfico de larga duración de Joël ...

Una retrospectiva de la obra fotográfica de la que se considera la ...

Al reunir la sensibilidad de dos artistas extraordinarios, Peter Hujar, curada por Elton John, ofrece una prueba contundente de cómo la mirada de un artista puede arrojar luz sobre la obra de otro. Aunque es conocido mundialmente como uno de los intérpretes más admirados y fascinantes de nuestra época, Elton John es también un experimentado coleccionista de fotografías, con una comprensión aguda y profundamente personal de los logros de Peter Hujar.

A través de una selección de cincuenta fotografías, Peter Hujar, curada por Elton John, presenta un amplio recorrido por la célebre trayectoria de Hujar. En esta nueva monografía, publicada con motivo de una exposición en la Fraenkel Gallery de San Francisco, Elton John escribe: «La humanidad, la profundidad y la sensibilidad sensual de Hujar no son para todo el mundo —ni tienen por qué serlo—, pero, una vez que sus imágenes se te meten en la sangre, es imposible desprenderse de ellas». La publicación incluye obras que abarcan casi dos décadas: retratos del ecléctico círculo de amigos de Hujar, sus emblemáticos desnudos, paisajes cargados de atmósfera, retratos de artistas (Stevie Wonder, Peggy Lee y Edgar Winter) y una conmovedora imagen del propio fotógrafo junto a su madre.

Peter Hujar . Curated by Elton John

Tapa dura
108 páginas, 50 ilustraciones en tritono
Fraenkel Gallery
2022

Portraits in Life and Death es el único libro de fotografías que Peter Hujar publicó en vida. Los veintinueve retratos de figuras creativas —que van desde William Burroughs, Susan Sontag y John Waters hasta Larry Ree, fundador de la compañía de ballet Trocadero Gloxinia, y T.C. (cuya identidad no está clara)— poseen una belleza inquietante y un nivel de análisis psicológico a la vez insólito y fascinante. Tras los retratos, aparecen once imágenes que solo pueden describirse como devastadoras: fotografías de los cuerpos vestidos y parcialmente conservados de sicilianos del siglo XIX, hallados en las áridas catacumbas bajo una iglesia en Palermo.

No existe una conexión necesaria, ni en las fotografías en sí mismas ni entre las dos secciones del libro; sin embargo, la progresión visual de la vida a la muerte constituye un emblema del viaje que todos emprendemos. Los sujetos vivos parecen estar reflexionando sobre esa mortalidad que, en las imágenes de las catacumbas, se perfila con una fuerza profunda. De distintas maneras, ambos grupos de imágenes aluden a los temores y emociones fundamentales que portamos con nosotros, en algún lugar más allá de nuestra conciencia. Tras contemplar este libro extraordinario, resulta casi imposible no establecer tales conexiones e interpretaciones, o no dejarse conmover por la capacidad constante de Hujar para captar lo que parece ser el espíritu interior de sus sujetos.

Aun así, un aire de despreocupación —incluso de alegría— flota sobre las fotografías. Es un libro singular, oblicuo, a veces opaco y, sin duda, profundamente sentido; pero se adhiere a la mente como un abrojo. No pasa desapercibido. Una vez visto, es imposible olvidarlo.

Portraits in Life and Death · Peter Hujar

ISBN 978-1-324-09217-9
Dimensiones / Páginas
10,4 x 11,4 pulgadas / 100 páginas
Editorial
Liveright

Una obra meditativa, fotografiada en un cautivador parque local en los Países Bajos; Strawberry Blue surgió tras la migración del artista desde Grecia hacia el norte, donde, poco después de su llegada, sufrió graves heridas en un accidente de tráfico. Un arduo proceso de recuperación —sumado a la inestabilidad propia de adaptarse a un entorno desconocido— desencadenó una búsqueda interior de pertenencia y una redefinición de su identidad. A lo largo de los años, Tsagkarakis recorrió habitualmente el parque, observando sus matices y su atmósfera onírica, mientras interactuaba con desconocidos y con todo lo que allí habita. En sus retratos, el autor vislumbra reflejos de sí mismo; ecos de sus propias luchas entablan un diálogo con un paisaje complejo y en constante evolución. Strawberry Blue transmite, por momentos, una sensación de desajuste, como reír mientras se llora. Es una obra sobre la resiliencia, la perseverancia y el arraigo en nuevos suelos... Se nos invita a emprender este viaje con la mente abierta a lo desconocido, dejando que el camino nos lleve hacia donde deba llevarnos.

Strawberry Blue . Marinos Tsagkarakis

Primera edición, tapa dura, formato vertical de 215 x 165 mm
126 páginas, con 69 fotografías e ilustraciones
Encuadernación cosida; detalles en lámina (foil) en la cubierta y el lomo
Texto de Marinos Tsagkarakis
ISBN 9781738130047

Cuando las tropas lideradas por los soviéticos invadieron Checoslovaquia en agosto de 1968, poniendo fin a la efímera Primavera de Praga, Josef Koudelka fue uno de los primeros en llegar al lugar. Como aclamado fotógrafo de teatro, Koudelka (nacido en Moravia, República Checa, en 1938) no tenía experiencia en el fotoperiodismo, pero eso cambiaría pronto. En medio del caos de la invasión, tomó una serie de fotografías por iniciativa propia, las cuales fueron sacadas del país de manera clandestina y casi milagrosa. Un año después de que llegaran a Nueva York, la agencia Magnum Photos las distribuyó, atribuyéndolas a un fotógrafo checo desconocido. Su relevancia hizo que el autor —que permanecía en el anonimato— fuera galardonado con el Premio Robert Capa. Pasarían dieciséis años antes de que Koudelka pudiera reconocer su autoría sin correr riesgos.

Esta edición de tapa dura de Invasion Prague 68 contiene 250 imágenes seleccionadas por Koudelka de su propio archivo, complementadas con fragmentos de emisiones de la época y testimonios presenciales. Casi sesenta años más tarde, estas impactantes fotografías vuelven a ver la luz, sirviendo como un recordatorio oportuno de la brutalidad de la represión política y de la importancia de dejar constancia de la injusticia.

Josef Koudelka . Invasion Prague 68

Formato: Tapa dura
Número de páginas: 296
Número de imágenes: 250
Fecha de publicación: 4 de noviembre de 2026
Dimensiones: 9,6 x 12,6 x 1,3 pulgadas
ISBN: 9781597116053

Los editores desean expresar su agradecimiento al Instituto de Historia Contemporánea de la Academia de Ciencias de la República Checa (Praga) y a Magnum Photos (París) por su colaboración en la publicación de este libro.

La tercera entrega de la serie de Mike Slack se adentra en la ciudad más grande de Japón: una vasta megalópolis repleta de rincones inesperados de sensualidad, humor y serenidad. El recorrido de Slack está, objetivamente, vinculado a lugares concretos, pero resulta curiosamente subjetivo; las imágenes resultantes son, a la vez, formales y poéticas. Sus interpretaciones, dotadas de un aire lúdico, ponen de relieve —y al mismo tiempo disuelven— la paleta de excentricidades arquitectónicas, gestos gráficos y ecos culturales de la ciudad. Más que una guía urbana, el libro funciona como un «mapa psíquico» de bolsillo: una invitación abierta a propiciar encuentros sutiles entre la mente, el cuerpo y el espacio urbano. En Tokio, se nos anima a reflexionar sobre ese espacio liminal que oscila entre la contemplación y la despreocupación.

Mike Slack . Walking in Place 3: Tokyo

Editorial: Perimeter Editions
ISBN: 9781922545565
130 págs., ilustraciones en color, 11 x 19 cm, rústica, inglés

The Centurion toma su nombre de la denominación de la célebre tarjeta negra (Black Card) de American Express, la cual surgió como respuesta a los persistentes rumores sobre su existencia que circularon durante la década de 1980. Esta historia contemporánea, en la que un mito urbano se materializa en la realidad, resulta quizá emblemática de una nueva «Edad Dorada»: una era en la que la ilusión se manifiesta como poder a través de la riqueza. Las fotografías de Brian Ulrich examinan la construcción del deseo y el mito, retratando la riqueza como una aspiración, un hechizo y un medio para consolidar el poder. Desde los escaparates —donde los objetos de lujo actúan como precursores de la «cultura de la pantalla»— hasta las perspectivas jerárquicas del paisaje y la arquitectura, pasando por el retrato directo y performativo, The Centurion cuestiona los efectos sociales, económicos y psicológicos de un sistema que equipara el éxito con la plutonomía.
La fotografía posee una capacidad singular para revelar aquello que muchos no logran ver, especialmente dentro de la cultura del privilegio. The Centurion muestra cómo el comercio y el consumo alimentan deseos irracionales, la envidia y la búsqueda de poder, al tiempo que pone al descubierto los mecanismos —a menudo frágiles— que sustentan dicha construcción; algo que se hace evidente, por ejemplo, en la pérdida de valor inherente a una tarjeta de crédito caducada o en el despropósito de una vivienda contemporánea concebida como una arquitectura defensiva.

Brian Ulrich . The Centurion

24 x 29,5 cm | tapa blanda | 164 páginas | inglés | ISBN 978-90-836127-5-1

Una colección de cintas de casete, descubierta en una tienda de segunda mano de Los Ángeles, sirvió como premisa organizativa para esta obra. Su estructura característica —dos caras separadas por una cinta magnética continua— ofreció al artista Bharat Sikka un marco, tanto material como conceptual, a través del cual reflexionar sobre la fotografía, la secuencia y la memoria.

La publicación se articula en torno a una «Cara A» y una «Cara B», que corresponden a dos viajes realizados con meses de diferencia. El primero sigue a Sikka mientras acompaña a su hija a Los Ángeles para comenzar sus estudios de cine, introduciéndola en Estados Unidos a través de los rituales compartidos de un viaje por carretera. El segundo recorre de nuevo ese mismo trayecto, cuando él regresa para llevarla a casa tras finalizar su primer semestre. Más que describir una narrativa lineal, el libro establece un ritmo de partida y retorno, permitiendo que la distancia, la repetición y la duración se conviertan en los temas centrales de la obra.

Bharat Sikka  . A Set of Tapes

192 págs. / 25,5 x 31 cm / tapa blanda con sobrecubierta suelta / 978-90-836127-9-9 / coeditado con Deadbeat Club

La exdefensora pública Sara Bennett ha dedicado los últimos trece años a fotografiar a mujeres condenadas por homicidio y sentenciadas a cadena perpetua en el estado de Nueva York. En su proyecto a largo plazo Looking Inside. Women with Life Sentences («Mirando hacia adentro: mujeres con cadena perpetua»), Bennett recorre sus vidas a través del tiempo y el espacio: dentro de los muros de la prisión, en sus habitaciones tras recuperar la libertad y en su proceso de reinserción en el mundo exterior después de décadas tras las rejas. A través de retratos íntimos y objetos personales —fotografías instantáneas, cartas, dibujos y notas manuscritas—, Bennett ofrece un testimonio impactante sobre la complejidad y la humanidad de unas mujeres que son, y siempre han sido, mucho más que el único acto que las llevó a cumplir una cadena perpetua. La obra se completa con un potente epílogo de Judith Clark, quien pasó treinta y ocho años en prisión y actualmente dirige el Survivors Justice Project.

Sara Bennett . Looking Inside. Women with Life Sentences

Paris Photo Aperture Shortlist

Edición de tapa blanda con cubierta interior y exterior, troquelado láser y páginas de distintos tamaños
21,6 × 27,4 cm
256 páginas
191 ilustraciones en color
Inglés
ISBN 978-3-96900-238-4
2026
Artistas: Sara Bennett
Textos: Sara Bennett, Judith Clark
Diseño: Teun van der Heijden, Heijdens Karwe

Para su nuevo libro, Tavakolian ha explorado sus archivos, no para seleccionar sus mejores trabajos, sino para rescatar lo que ella misma denomina fotos que duelen a la vista—imágenes que le resulta desagradable contemplar—, correspondientes a los inicios de su trayectoria, cuando, a los dieciséis años, comenzó a trabajar como fotoperiodista en Teherán. Al volver a examinar estas imágenes que duelen a la vista—en un contexto marcado, una vez más, por acontecimientos terribles—, surge un claro rito de paso: el tránsito desde las esperanzas y sueños de la juventud hacia la decepción que impone la realidad, desembocando en la conclusión de que, en la vida, solo existe una elección verdadera: dejarse arrastrar por la oscuridad, o bien optar por combatir esa oscuridad y avanzar hacia la luz. (Newsha Tavakolian)

Newsha Tavakolian . And They Laughed at Me

Paris Photo - Aperture awards shortlist

Tapa dura con sobrecubierta tipo póster
19 x 24,5 cm
240 páginas
144 ilustraciones en color
Inglés
ISBN 978-3-96900-213-1
2026
Textos:
Newsha Tavakolian
Diseño:
Kehrer Design (Laura Pecoroni)

Una noche, mientras observaba desde un segundo plano el espectáculo de una celebración de sábado por la noche en el bar de George Brown, recuerdo haber pensado que aquellas personas sabían cómo divertirse a lo grande y pasar un buen rato. Eran supervivientes de las dos guerras mundiales y de la Gran Depresión. Conocían bien los tiempos difíciles, pero, cuando llegaba el momento de disfrutar, lo hacían con ganas, festejando como si no existiera el mañana —ni, puestos a decir, el ayer—. Pensé que, tal vez, eran capaces de disfrutar de la vida de esa manera porque habían vivido épocas en las que, realmente, parecía que no habría un mañana. — John Banasiak

John Banasiak nació en 1950 y creció en Harvey, Illinois —al sur de Chicago—, en una comunidad formada por familias de Europa del Este de primera y segunda generación. Su padre trabajaba ajustando moldes en la cercana fábrica de silenciadores Maremont, y John esperaba seguir sus pasos. Animado por un profesor a cursar estudios universitarios, presentó su solicitud a la School of the Art Institute of Chicago (Escuela del Instituto de Arte de Chicago) durante su último año de bachillerato. Tras su graduación, y a raíz del fallecimiento de su padre, John ocupó su puesto de trabajo —y heredó su taquilla— en la fábrica de silenciadores.

En julio, al enterarse de que le habían concedido una beca completa para la School of the Art Institute of Chicago, «el aire pareció cobrar de repente... una claridad que, por arte de magia, abrió una distancia que antes no lograba ver», recuerda. John obtuvo sus títulos de grado (BFA) y posgrado (MFA) en dicha institución, mientras trabajaba como vigilante nocturno en el museo para costearse el material. En 1971, totalmente inmerso en sus clases de fotografía, empezó a trabajar los fines de semana como camarero en el bar de George Brown. Era un lugar conocido, lleno de gente de su entorno; allí comenzó a fotografiar a los clientes, buscando esos «momentos decisivos» que contaban una historia. Las familias polacas, ucranianas e italianas que vivían en la zona se reunían allí para socializar, celebrar, bailar y compartir relatos.

Este volumen reúne 45 imágenes en blanco y negro captadas durante la etapa en la que Banasiak trabajó tras la barra; utilizaba una cámara Kodak Retina plegable y buscaba siempre a «alguien envuelto en una magia atmosférica». Sus fotografías y escritos capturan una época de amistades estrechas, una vida sencilla y recuerdos no expresados ​​de los dolorosos años de la Segunda Guerra Mundial, de la cual solo habían transcurrido 26 años.

Las fotografías de Banasiak forman parte de las colecciones permanentes del Walker Art Center, el Tweed Museum of Art, el Kansas City Art Museum, el International Center of Photography, Light Work y el South Dakota Art Museum.

JOHN BANASIAK . George Brown's Bar

ISBN: 978-1-59005-620-2
Tapa dura, encuadernación en tela, 9 x 12 pulgadas, 80 páginas, 47 láminas en duotono.

Hace veinticinco años, la fotógrafa Viviane Sassen y la artista Emmeline de Mooij colaboraron en una serie de fotografías. Ahora, retoman aquel diálogo creativo para dar vida a Frau Holle: un libro que recorre la transformación femenina a través de tres etapas vitales, entrelazando las imágenes originales con obras nuevas. A través del juego, el vestuario y la indagación mitológica, exploran la maternidad, la menopausia y el deseo como fuerzas invisibles. La obra constituye una meditación sobre el envejecimiento, la capacidad creativa y el placer. Es, ante todo, una celebración de la amistad y una exploración colectiva de cómo las mujeres recuperan su visibilidad y su alegría mediante la transformación, el rechazo a ser borradas y una presencia que no pide disculpas.

Viviane Sassen & Emmeline Mooij . Frau Holle

Kominek Books
Softcover
144 pages,  165 x 215 mm
2026

Anne-Marie, de Jeremiah Dine, es un documento visual de la relación de Dine con su esposa a lo largo de 40 años. Explora la pasión que ambos comparten, tanto el uno por el otro como por el mundo que los rodea, así como sus visiones particulares como artistas. ¿Qué sucede con dos personas que construyen su vida en común a lo largo de cuatro décadas? ¿Cómo cambia y se profundiza la percepción que uno tiene de un ser querido tras tanto tiempo? «Las imágenes de Anne-Marie no solo involucran una cámara, un rostro, un cuerpo y una mirada», escribe Francine Prose en su introducción, «sino dos conciencias que se fusionan para crear algo que antes no existía, algo que solo tuvo lugar en ese preciso instante». Realizado mediante una combinación de película de 35 mm y 120 mm, blanco y negro y color, formatos digitales, Polaroid, iPhone, cámaras desechables, y técnicas tanto tradicionales como manipuladas, este libro constituye una propuesta caleidoscópica y fascinante sobre cómo fotografiar a otra persona se convierte en un medio para comprenderse a uno mismo. Es, a la vez, un retrato y un autorretrato de la dualidad propia de una relación a largo plazo.

Jeremiah Dine . Anne-Marie

Editado por Yolanda Cuomo y Jeremiah Dine
132 páginas, 168 imágenes
Tapa dura
23,5 x 31,7 cm
Inglés
ISBN 978-3-96999-495-5
1.ª edición, 03/2026